English follows Japanese

クンウー・パイクによるショパンのノクターンばかりの演奏会＠王子ホールに行ってきた。

ショパンのノクターンといえば感傷的・感覚的で深みに書ける音楽だというイメージが一般的に持たれているかもしれない。しかしクンウー・パイクのショパンのノクターンには深く沈潜するような独特の世界があって、それが聴き手の心の奥底に響いた。一曲せいぜい数分の小品が、とてつもなく大きな広がりを有することになった。

加えて一つ一つの音を慈しむようなタッチと微妙な転調を支える絶妙なペダリングにより、ピアノがこの上ない繊細な「歌」を奏でる。装飾的な音符も単なる飾りでなく音楽の本質を形どる存在となる。大ベテランが長い年月をかけて到達した境地と技が惜しみなく発揮された。

いくつか特に心に残った楽曲を振り返ってみたい。冒頭の作品9-1は若きショパンのストレートな感情のほとばしりが表出される曲だが、パイクの円熟した表現により心にずしりと響くような深い悲しみが全編を覆った。この一曲で演奏会場の我々は居住まいを正された。

作品27-1嬰ハ短調では不安と憂いに満ちた主旋律が耳をそばだてるような繊細さで聴こえてくる。中間部では一転して手に汗を握るような迫力溢れるドラマが展開する。悲劇的な楽想に一縷の光がさすが、それもつかぬ間に終わり、結局は悲しみに支配されてしまう。その展開をパイクはこの上ない情熱を持って表現していた。曲の有する感情の深さとパイクの円熟味が完全にマッチした演奏であり、当日最高の聴きものだったと思う。

作品62-1はショパン晩年の繊細な感情が表出されている曲である。そこには大きなドラマはなく、一見なにげないようなメロディーが続くのだが、転調とポリフォニックな楽想によって心の襞を映し出すかのような精妙な音楽となる。ピアニストの感性を測る試金石とも言える曲である。パイクは一音一音をこの上なく丁寧に表現することでその本質を明らかにしていった。再現部のしみわたるようなトリル、そしてそれが消えゆくと現れる十六分音符の天使のようなフレーズ。聴き手は夢見心地となった。

作品48-1ハ短調。ショパンのノクターンでもっとも劇的でスケール感のある作品であり、演奏会のしめくくりにふさわしい。パイクはCDの録音では繊細に曲を始めて徐々にピークを持っていく解釈をとっていたが、この日は冒頭からしてドの音が重々しく響き、全体として力強さがみなぎる演奏だった。重音の多いこの曲は必ずしもピアニスティックな面では成功しているとは言い難いが、その悲劇的な音楽にはかけがいのないものがある。パイクのあくまでも内面的な演奏はその本質を惜しみなく表現していた。

I went to a concert of Chopin's Nocturnes by Kun Woo Paik at Oji Hall, Tokyo.

Chopin's Nocturnes are generally thought of as sentimental and sensual music that somehow lacks depth. However, Kun-Woo Paik's Chopin Nocturnes have a unique world that seems to sink and resonate deep within the listener's heart. A rather small piece of music that lasts only several minutes would have tremendous scope.

In addition, he played the delicate melody with a touch that treated each note with utmost care. Exquisite pedaling supported subtle modulations. The decorative notes are not mere decorations, but constitute the essence of the music. This was a demonstration of the skills and sensitivity that a veteran musician has reached over the years.

Here, I would like to touch on the pieces that particularly impressed me. The opening piece, Op. 9-1, represents a straightforward expression of young Chopin's emotions, but Paik's mature expression covered the entire piece with a profound sadness that touched the heart of the audience. We in the concert hall were made aware that we were in for an intense and profound performance today.

In Op. 27-1 in C-sharp minor, the main melody, full of anxiety and melancholy, was heard with a delicacy that made us listen to it most attentively. In the middle section, the music becomes a powerful drama. There is a glimmer of light in the tragic music, but it is short-lived and sadness takes over in the end. Paik expressed this development with unparalleled passion. Overall, it was a performance that perfectly matched the emotional depth of the piece and Paik's maturity. I think it was the best performance of the day.

Op. 62-1 is a piece that expresses the most delicate emotions of Chopin's later years. There is no passionate drama in this piece, just a series of seemingly ordinary melodies. But the subtle modulations and exquisite polyphonic treatment make the music most delicate. This piece tests a pianist's degree of sensitivity, in my view. Pike revealed the essence of the music by expressing each note with the utmost care. The soothing trills in the recapitulation and the angelic sixteenth-note phrases that follow are the pinnacle of this great piece. The listener is brought to a dreamy state.

The nocturne Op. 48-1 in C minor is the most dramatic and majestic of Chopin's nocturnes. It makes a fitting conclusion to the concert. Pike's interpretation on the CD recording is to start the piece sotto voce and gradually build up to a peak, but on this day, the performance started with a resonant bass from the very beginning, making the overall performance more energetic. This piece, with its so many thick chords, may not necessarily be a pianistic success, but its deep and tragic music is invaluable. Pike's performance spared no effort in expressing the essence of the piece.

English after Japanese

ラフマニノフのピアノとオーケストラの作品を三人のピアニストと東響で＠サントリー・ホール。お目当てはトリに第3番のピアノ協奏曲を演奏したアンリ・バルダ。御年80才のベテランがこのピアニストに恐れられている長大な難曲を滞りなく弾けるだろうか、などと演奏前には心配していたが、完全に取り越し苦労だった。

とにかくこんなに楽しませてくれるピアノ協奏曲の演奏は他にないと思う。協奏曲のソリストはオペラのディーヴァであり、自分の魅力を最大限に出すのが仕事であるとかねがね思っていたが、そのことを再確認させてくれた。ピアニストの中にはオケに合わせる事に一生懸命だったり、中にはオケの奏者の一員みたいに指揮者に従順な人がいるが、そんな姿勢では演奏家の魅力が伝わらない。もちろんソリストとオーケストラとが一緒に演奏を作り上げていくわけだが、両者が融和して一体化してしまっては、何のための協奏曲だかわからなくなってしまう。特にラフマニノフのオーケストラは響きが厚いのでソロは個性的でないと埋もれてしまうだけだ。第一楽章の冒頭の有名な「レーファミレー・ド♯レミーレ」で始まるピアノのユニゾンの旋律からして定石を外すような表情であったので「これは刺激的な演奏になるぞ」という予感を持った。

バルダ氏の演奏の一つの特徴は早めのテンポで推進力を持つところであると思う。テンポがほんのわずかに早まる感じがあって、それが聴き手の気持ちをぐいぐいとひっぱってくれる。それが聴き手のアドレナリンを刺激してくれるが、他方それがあるからこそ、それと対照的なピアノ（弱音）の繊細な表現の魅力が何倍にもなるのだ。彼のタッチには物理的に均衡が取れた響きよりさらに押し込むような「濃さ」がある。これの魅力に一度はまってしまうとなかなか抜け出せない。音楽家というのは音で表現するわけであり、この独特の響きが彼の演奏の秘密の大きな要素の一つとなっている。

こういうオリジナリティこそが魅力となる。完璧なバランスを有する人は写真みたいな絵を描いているようなものであり、何のインパクトも持てない。セザンヌやゴッホは一目見るだけでわかるような独特な世界を作り出しているが、彼らはああいうスタイルを選択しているのではなく「ああいう風にしか絵を描けない」人たちだ。その個性こそかけがいのないないものであり、我々はそれを芸術を呼ぶ。写真でなくセザンヌのような演奏を聴けて良かった。
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​I went to a concert of Rachmaninoff's piano and orchestra works with three pianists at Suntory Hall. The orchestra was the Tokyo Symphony Orchestra under conductor Koji Kawamoto. The highlight of the evening was Henri Barda's performance of the third piano concerto. I had been worried before the performance that the 80-year-old veteran might not be able to play this long and difficult piece in a technically satisfactory manner, but I was completely wrong.

I don't think I have heard a piano concerto performance that gives me such pleasure. I was always thinking that a concerto soloist is the diva of an opera, and that her job is to bring out the best of herself. This performance reaffirmed that. Some pianists try their best to fit in with the orchestra, and some even appear obedient to the conductor as if they are part of the orchestra, but such an attitude does not convey the charm of the performer. Of course, the soloist and the orchestra work together to create the performance, but if the two are completely harmonized and integrated, what is the raison d'etre of concerto? In particular, with the thick sound of Rachmaninoff's orchestra, if the soloist is not unique, the sound of the piano will just be buried. I had a hunch that this was going to be an exciting performance when I heard the unison melody of the piano at the beginning of the first movement exuding an expression that defied convention. I was right.

One of the characteristics of Mr. Barda's performance is that it has a strong drive. The tempo tends to speed up just a little bit, which pulls the listener's heart along. This stimulates the listener's adrenaline. It also makes the delicate expression of the “piano” (weak notes) many times more attractive. There is a "density" to his touch that pushes it further than a physically balanced sound. Once you get hooked on this charm, it's hard to get out. Musicians express themselves through sound, and this unique sound is one of the main secrets of his performance.

This originality is what makes him so attractive. A person who has perfect balance is like a person who paints a picture that looks like a photograph. He cannot have any impact. Cézanne and Van Gogh have created a unique world that can be recognized at a glance. They have not chosen that style, but rather they are the kind of people who "can only paint in that way”. Their individuality is what makes them irreplaceable, and we call that art. It was nice to hear a performance like Cezanne's instead of a photograph.

小田切尚登 / Naoto Odagiri