有森博さんのラフマニノフ前奏曲24曲の演奏会に行ってきました（東京文化会館小）。24曲を一気に、というのは凡庸な演奏では飽きてしまう恐れがあるところですが、有森さんの演奏は、音楽が今生まれてくるような新鮮な感性を感じさせるもので、一曲一曲のマイクロな世界が結びついて大きな世界が創出されるさまを心行くまで味わいました。

そこで今日はラフマニノフの前奏曲集についてちょっと書いてみようと思います。

世の中には数多くの「前奏曲集」がありますが、その本家本元ともいえるショパンの前奏曲集は調性等の条件から、まとめて演奏するのが本来の姿だと広く認識されています。一方で、ドビュッシーの前奏曲集についてはショパンほどの「一体感」は感じられません。各曲に独立性が高く、タイトルも与えられているくらいですから。でも一方で、それぞれの曲がピアノの独自の技法や楽想を追求しているので、それをまとめて演奏することで、ドビュッシーの音楽観が顕わになるという面もある。なのでこの場合は個別に弾くことも、第一巻・第二巻とそれぞれまとめて演奏することも、どちらも多いです。

では、ラフマニノフの前奏曲集はどうでしょう？これについては全曲を通すことはあまりありません。（ＣＤではまとめて録音されることが多いですが）。全体をまとめて演奏することで何か大きなメッセージを発信しているとは考え難いから、という理由がそこにはあると思われます。どうせラフマニノフばかりではないかと。

しかし、昨日、有森さんの演奏で全曲を通して聴いて、私は24曲を通して聴く深い充実感を味わうことができました。Op.3-2「鐘」の冒頭A-G♯-C♯が全体の導入の役割を担っていて、そのあとはラフマニノフの独自のロマンの世界がいろんな姿に変貌していく姿を堪能できました。考えてみると、前奏曲集の中の何曲かは非常に短かったり曲想の個性をとらえにくかったりして単独に取り上げるには若干都合の悪いのがありますので（特に作品３２の何曲か）抜粋だと、Op.23-5のようなホロヴィッツがお得意の華麗な曲ばかりが弾かれる傾向が出てしまいます。それは本当にもったいない。

もう一点感じたことを挙げると、作品32の難解さです。ラフマニノフのピアノ曲というと、ピアノ弾きにとっては、まずは前奏曲があって、その先には「音の絵」そしてさらにピアノソナタ第二番があると考えるのが一般的でしょう。これは作曲された順番にも符合する見方です。しかし実は前奏曲Op.32が最も「難しい」のではないか。これが私の以前からの意見です。この考えは有森さんの演奏を聴いてさらに強くなりました。まだ考えが１００％まとまってはいないのですが、Op.32の中にも5番や2番のように比較的曲想をつかみやすい曲もあるものの、多くは作曲者の意図がわかりにくい曲です。中では第1番ハ長調や第6番ヘ短調などは疾風怒濤という感じで、まだわかりやすい面がありますが、第3番ホ長調とか第4番ホ短調のあの入り組んだ感じはは何なのでしょう？どちらもクライマックスがあるものの、それも空虚な感じでさっと終わり、最後は消え入るように曲が閉じる。単に印象を断片的に綴ったのでもなく、かといって何か全体としての構成や方向性が確立しているというわけでもなさそう。それに比べると、そのあとに作曲された「音の絵」のわかりやすさと言ったら・・・。

ともあれ、こんな風に思ったのも、ラフマニノフの前奏曲集を全曲通して演奏する意義を強く感じさせてくれたからです。では、この辺で。

来日中のＡ氏から色々と話を聞く機会がありました。国際的な賞を受賞している建築家・デザイナーです。彼にミュージアムの設計についてパワーポイントで説明を受けました。「ミュージアムは作品を保管する倉庫であってはいけない。ミュージアムを閉じたものにせず、作品たちを広く社会にはばたかせるにはどうすればよいか・・・」
単純化するのは危険ですが「コンセプトから入る」というのはヨーロッパ人に良く見られるやり方だと思います。「自分はこういう思想をもっている。だからこういう形が必要だ・・・」という流れです。これは音楽にも美術にも・・・およそあらゆる芸術作品全般に言えることだと思います。いやむしろ、思想を作品に化体させることこそが、近代以降に西洋の芸術が圧倒的な存在感を示してきた原点だと言うべきでしょう。アルチザンからアーティストへ。

日本にはそういう伝統はほぼなかったと思います。オリジナルな思想というものよりは、例えば「自然こそが理想である」とか「芸を極めていけば自ずから何かが生まれる」といった発想になったのです。

たとえば小津安二郎の映画。これが世界的に非常に高い評価を得ているのは、彼独自の芸術性があるからですが、彼自身はそれを意識的にやっていたとは思えない。「世界の映画史の中で自分は何者か」などと彼が考えていたはずもありません。自分の個性と日本の伝統が絡み合ったものが、それまで世界のどこにもなかったような独自の作品に結実し、それが世界の人々の心に訴えたのです。

もちろん、意識的であるかどうかが、その作品の価値を規定するわけはありません。意識的か無意識かにかかわらず、小津の映画に普遍的な価値があることに変わりはありません。

ただ、新しいタイプの芸術作品が生まれてくるようになるには、そこに新たなコンセプトが必要であろうとは思います。二十世紀初頭の音楽界では、ロシアからストラヴィンスキーが、ハンガリーからはバルトークが新風をふきかけました。ではクラシック音楽の本家本元のオーストリア出身のシェーンベルクはどうしたかというと、十二音音楽を確立したのです。彼が伝統の中心から新しい道を作り上げるには抽象的な手法しかなかった、と言えるかもしれません。彼が歴史的なイノヴェーターであることは疑いようがありません。

・・・こう書いてきたら、チャールズ・ローゼンの「シェーンベルク」に書いてあった話を思い出しました。細かいところはうろ覚えですが、こういう話です。シェーンベルクは一時バルセロナに住んでいた。すると友人の音楽家（ウェーベルンだったか？）から、バルセロナでシェーンベルクの作品を演奏したいという話があった。するとシェーンベルクはこう答えた。「いいかい。僕はバルセロナに友達も大勢できて、一緒にテニスをやったりしていて良い関係が築かれているんだ。それなのに、もし僕のことを「訳のわからない前衛音楽の作曲家」だと知れたら人間関係が破壊されるじゃないか。だから頼むから演奏はやめてくれ」

芸を磨くとか職人芸、といったものでなく、自分の思想を芸術に反映させようとした人たち。彼らの苦労には常人には計り知れないものがあるということでしょう。

コンラッド・タオといえば十代では世界で最も才能のあるピアニスト・・・かどうかはわからないが、もっとも有名な存在ではあるでしょう。ヴァイオリンも上手で、ある晩のコンサートで、まずメンデルスゾーンのヴァイオリン協奏曲でソロを演奏したあと、次にピアノ協奏曲を弾く、などといった離れ業も披露しています。でも最も力を入れていそうなのが作曲で、十代前半のころからオーケストラ曲や弦楽四重奏曲を含め数多くの曲を発表しています。今は米国のダラス交響楽団からＪＦケネディ暗殺五十年についての曲の委嘱を受けているようです。・・・そんな彼の演奏がネットで聴けるのをたまたま見つけ、ちょっと聴いてみました。曲はベートーヴェンのピアノ協奏曲第三番で、指揮はズーカーマン。うちのラップトップＰＣの音では細かいところまでは判断しずらいが、第二楽章の深い表現などうならせます。これを録音した2012年秋に彼は十七歳でしたが、当時彼はアムステルダム・コンセルトヘボーやパシフィック交響楽団などとラフマニノフ三番、グリーグ、ガーシュイン第二ラプソディなどの協奏曲を弾きつつ、ＮＹエヴァリーフィッシャーホールやモントリオールやメキシコなどでリサイタルを開き、香港交響楽団で自作の世界初演があり（本人は忙しすぎて出られず）、といった日々をすごしつつ大学の試験をうけたりしていたそうです。http://www.artsalive.ca/collections/nacmusicbox/en/?_escaped_fragment_=%252index.php%3Fpageid%3Dhome#!/index.php?pageid=home

昨日はピティナの受賞者コンサートに行ってきました。ピティナとはピアノの先生の団体で、子供中心の年代別コンクールを主催しています。その金賞銀賞を受賞した俊英たちを中心としたコンサートが第一生命ホールで開催されました。出場者にはシンフォニー・サロンのお客さんも多く、私は出場した小学生のＡちゃんの親御さんからお誘いいただいた次第です。

日本の子供たちのレベルは本当に高く、足台がないとペダルにとどかないような小さい子供がショパンなどの難曲をやすやすと弾いてしまいます。教育熱心で時間とカネを惜しまない親、我慢強く努力を重ねる子供、年代別コンクールで同世代を競わせるシステム・・・こういう条件がそろった、ということでしょう。ピアノは普通の学校の教科と違って変な平等主義がありません。個人の能力と習熟度によってどんどん先に進める、というのは本当に素晴らしいことだと実感します。

あとは、こういう能力をつけた子供たちを如何に本当の音楽家に育てるか、というのが次の課題でしょう。日本は初等教育・中等教育のレベルは高いのですが、その先の高等教育はどうでしょうか・・・。「二十歳過ぎたらタダの人」などという話にならないようにしないといけませんね。

芸術系で文章が上手い代表選手といえば、建築家、作曲家、彫刻家あたりでしょうか。彼らの創作活動での脳の使い方と、文章を書く時の脳の使い方には共通点があるのかもしれません（何の根拠もありませんが）。一方、文章を書くことがイメージしにくいのが演奏家。演奏家はその感性の魅力でアピールしているのであって知性は必要ないから・・・などということは決してないと思いますが、それでもオペラ歌手はもちろんホロヴィッツやハイフェッツのような人がいそいそと演奏解釈についての文章などを書いている姿、などというのはちょっと想像できません。そんな中で、他を圧倒していたのがチャールズ・ローゼン。彼について「ピアノと小脳のフュージョン」などと書いている記事がありました。http://standpointmag.co.uk/node/4883/full　このなかで、彼の後継者は、という部分があります。その「候補」の一人とも目されるバレンボイム。彼がNYRBでベートーヴェンについてのエッセーを発表したので、ここに紹介します。内容はベートーヴェンの本質に迫るもので、彼の演奏から常に感じられる「普遍性へのあこがれ」と通底する気がします。そして、それ以上に感心したのがその文体。素直で肩ひじ張った所が一切なく、生き生きとしたリズムをもった文章は「さすが音楽家」と思わせます。彼の文章をもっともっと読みたい、と思うところですが、指揮者・ピアニストとして超多忙な人ですからね・・・。とりあえずは演奏に集中してもらうのが、世界の音楽ファンのためということなんでしょう。Beethoven and the Quality of Courage by Daniel Barenboim 




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アメリカでアーティストとして「成功する」ためには、たとえクラシックの音楽家であってもエンタテイナーである必要があるかもしれません。指揮者でいえばストコフスキー、オーマンディそしてバーンスタインという路線。そしてピアニストではホロヴィッツと並ぶ名前としてクライバーンがいました。

テキサスの田舎の若者がピアノの才能を認められてジュリアード音楽院に入学したのが１９５１年。そして今や伝説となった１９５８年の第一回チャイコフスキー・コンクールでの優勝。当時はソ連が世界初の人工衛星を打ち上げた直後で、アメリカ人は意気消沈していました。そこにハンサムなアメリカ人の若者がソ連でのコンクールで優勝をさらってしまったのですからアメリカ人はこぞってクライバーンに喝采を浴びせたのも当然でしょう。コンクールの審査員はフルシチョフに「アメリカ人を勝たせても良いですか？」とお伺いを立てたが、「彼が一番上手いのか？それなら彼を一位にしなさい」との返答だったとか。（注：チャイコフスキー・コンクールは冷戦時代のソ連が、自らの文化的優越を示すために始められた。）

二十世紀アメリカを代表する二人の大ピアニストはロシアとの縁があります。その一人はホロヴィッツ（ウクライナ生まれ）。彼は８０年代後半にモスクワとレニングラードでコンサートを行って熱狂的に受け入れられました。彼はその前後に二度の来日をしています。

そしてもう一人はクライバーンがチャイコフスキー・コンクールで優勝した前年にモスクワに行ったグレン・グールド（カナダ人）。戦後のソ連で演奏した北米人は実は彼が初めてであり、かつシェーンベルグやベルクという「（スターリンが大嫌いな）難解で反リアリズムの音楽」がかの地で演奏されたのもこの時が初めてでした。本当はこれこそ「歴史に残る」演奏であったはずだと思いますが、最も「成功した」のはクライバーンだったということでしょう。ともあれ「普通のアメリカ人が名前を知っていた」稀有のクラシック・ピアニストであったクライバーンに合掌。

歴史上オペラが最も多くの人に最も強い影響を与えた時代は１９６０年代の中国ではないでしょうか？何しろ毛沢東の文化大革命時代に許されたほとんど唯一の「芸術作品」だったのですから。残された数少ないカラー写真だそうです。元ネタはこちら。

何をやるにしても最も大事な才能は「長時間没頭できる」ということでしょうね。たとえばピアノが上手くなるには、まずはピアノを長時間弾くしかない。（すべての他の要素はその先の話となる。）面白がって長時間ピアノに向き合う人からは面白い演奏が生まれる。色々と考えながら長時間ピアノに向き合う人の演奏からは色々と考えさせられる。音を注意深く聴きながらピアノに向き合う人の演奏からは良い音が聴こえてくる。・・・もちろん、いやいやながら長時間ピアノを弾く、あるいは人に言われるままにピアノを練習する、というのも、弾かないよりは良いが、そこからは「価値のある音楽」は生まれない。こんな感じでしょうか？

日曜日はシンフォニー・プチ・コンサートでした。参加者の皆さんの素晴らしい熱演を聴くと「継続は力なり」という言葉をいつも思い起こします。そして、今回は飛び入りでヴィルモーシュ・サバディ氏(リスト音楽院教授）によるヴァイオリン演奏が入りました。氏はヴィチェイ等の日本ではあまり知られていないハンガリーの曲を演奏してくださいました。チャルダッシュなど「さすが本場！」と言いたい熱いもので、聴いているこちらも興奮してきました。

新国立劇場の「愛の妙薬」を観にいきました。主役（ネモリーノ）のシラグーザは世界中の劇場で引っ張りだこのトップ・テノールの一人。このオペラの華は二幕のテノールのアリア「人知れぬ涙」ですが、さすがに美声かつ心のこもった好演でした。（この曲、音域がずっと高くて喉が疲れるんですよね！）さて、会場でソプラノＭさんと会場で遭遇したのですが、彼女が「終演後にシラグーザにあいさつに行くので一緒に行かない？」とのこと。そこで急きょ楽屋に行きました。「シラグーザは指揮者とうまく合わずに気分を害している」などという噂もあったのですが、ニコニコと接してくれました。「やはりロッシーニが一番大事」といった話をしてくれました。写真を撮れず残念です。